Московские каникулы. Третьяковская галерея

Сегодня перед зданием музея установлена статуя Павла Михайловича Третьякова (1832-1898) работы скульптора Александра Кибальникова. Однако, она появилась возле галереи только в 1980 году. До этого перед музеем была установлена скульптура Сталина, а ещё раньше здесь был монумент Ленина.

Третьяковская галерея была основана Павлом Михайловичем Третьяковым в середине XIX века. Он начал собирать уникальную коллекцию художественных произведений и впоследствии передал её городу Москве. Галерея насчитывает в настоящее время более 200 000 экспонатов, включая произведения российских художников, начиная с иконописи и заканчивая современным искусством.

В Третьяковку я хожу практически в каждый мой приезд в Москву. Не был исключением и мой визит в Москву в 2024 году. Во-первых, многое мне знакомо и хочется вновь соприкоснуться с прекрасным, во-вторых, каждый раз открываешь для себя или узнаёшь что-то новое – это главное. В-третьих, сравниваешь свои новые впечатления с предыдущими. Ну, и наконец, когда пишешь небольшой отчет или фоторепортаж для себя и для друзей, хочется поделиться той интересной информацией, которую удалось найти в разных источниках.

Перед походом в Третьяковку мои друзья меня предупредили, что лучше бы предварительно записаться по интернету, иначе предстоит долго стоять в очереди. Я и сам помню очереди, в которых раньше приходилось терять много времени, чтобы попасть в музей, но это в прошлом. Сейчас никаких очередей нет, так как посетителей очень мало. Народ теряет интерес к настоящему искусству, что очень огорчает. Второе, на что я обратил внимание – в галерее я не встретил ни одного человека с фотоаппаратом, хотя в каждом зале остались таблички, запрещающие использовать вспышку при съемке. Ещё несколько лет тому назад в каждом музее можно было увидеть тысячи фотографов, стремящихся запечатлеть понравившиеся картины или скульптуру. Сейчас большинство снимают смартфонами и большей частью себя на фоне той или иной картины. Увы, но это факт…

В Третьяковке нет «неизвестных» картин, все произведения тщательно отобраны, а вот какие из них считать шедеврами, каждый выбирает для себя сам. Мне не нравятся статьи с названиями, типа «25 шедевров Третьяковской галереи» или «Эти 10 картин должен увидеть каждый». У каждого свой вкус, более того, он меняется, причём часто в зависимости от настроения и состояния на данный момент. Когда я готовил фоторепортаж для сегодняшнего рассказа, я не ставил целью выбрать самое главное или самое известное. Часто в кадр попадали общие виды галереи, иногда я останавливался у картин, которые чем-то «зацепили» именно сегодня, а большей частью я снимал то, что мне нравилось. Конечно, попали сюда и мои любимые картины, на которые хочется посмотреть ещё много раз. Перед любимой картиной можно простоять долго, думая, вспоминая, переживая. К сожалению, объём сайта не позволяет показать всё, что хочешь и всё, что снял. Из большого числа фото пришлось отобрать малую толику того, что удалось увидеть за один день.

Приглашаю всех читателей на виртуальную экскурсию по залам Третьяковской галерее.

Портрет Александра Сергеевича Пушкина. Картина русского живописца Ореста Кипренского, написанная в 1827 году.

Этот портрет кисти Кипренского и еще портрет, написанный Тропининым, — два самых известных портрета поэта. Важно отметить, что они оба — прижизненные, Пушкин позировал для них лично, они не списаны с каких-то еще работ, поэтому достоверно отражают внешность великого поэта.

Кипренскому портрет Пушкина заказал Дельвиг, и он до смерти Антона Антоновича хранился в семье Дельвигов. Конечно же, на заднем плане изображена муза поэзии Эрато с лирой. Примечательно, что лицо Эрато отвернуто от зрителя, чтобы ничто не перетягивало внимание от Александра Сергеевича, голова которого повернута не просто так, а именно в сторону Музы. Изначально Музы на портере не было — был только Пушкин. Такой символ попросил дорисовать сам Дельвиг, чтобы подчеркнуть главное дело жизни своего друга. Позже Пушкин выкупил свой портрет у семьи друга за 1000 рублей (по тем временам немалая сумма). 

Александр Иванов. Явление Христа народу. 1837—57

«Явление Христа народу» — это большая художественная работа русского художника Александра Иванова, созданная в период с 1837 по 1857 годы. Это одно из наиболее значительных произведений русской живописи XIX века и одно из самых крупных полотен в мире. Картину Иванова купил император Александр II и отдал в дар Румянцевскому музею, откуда в 1924 году она поступила в Третьяковскую галерею. Для масштабного полотна размером 5.4 x 7.5 метров в галерее даже построили отдельный зал.

В центре композиции выделяется Иоанн Креститель, проводящий таинство крещения народа, собравшегося у берега каменистой реки Иордан. Он обращает внимание присутствующих на приближающегося Иисуса Христа, указывая на него. Хотя Христос, находясь в дальнем фоне картины, занимает особое и высокое положение, он создает ощущение своей возвышенности над толпой. Художник не ставит его в центре событий, но сконцентрирован на реакции окружающих, чтобы передать «нравственный переворот в душах людей, их стремление к истине» через их эмоциональные реакции на его появление.

Эту картину нужно долго и внимательно рассматривать, понять мотивы и реакции тех или иных людей, а для этого требуется время и желание думать и понимать, что и с какой целью хотел запечатлеть художник.

Алексей Саврасов. Грачи прилетели. 1871

Саврасов был мастером передачи настроения природы и использовал свет и цвет для создания эмоционального воздействия на зрителя. «Грачи прилетели» передаёт не только красоту природы, но и переживание художника перед приходом долгожданной весны после зимы.

Чтобы купить эту картину, Павел Третьяков специально ездил к Саврасову в Ярославль.

«Радуга». Картина Ивана Айвазовского, написанная в 1873 году.

На картине мы видим стандартный для творчества Айвазовского сюжет: бушующее море с гибнущим кораблем у скалистого берега. Ветер срывает водяную пыль с гребней бушующих волн. Сквозь вихрь едва заметны очертания скалистого берега и силуэт тонущего корабля.

Зрители не знают, что будет с моряками. Они пытаются удержаться в шлюпке и плыть в другом направлении. При этом один из героев машет шляпой. Он увидел радугу, которая символизировала благословение Бога. Кроме того, радуга означала окончание шторма. А значит, у людей появился шанс на спасение. Им осталось продержаться немного.

Картина «Радуга» входит в число немногих произведений Айвазовского, которое приобрел для своей коллекции Павел Третьяков. Он купил «Радугу» сразу после выставки в Академии художеств.

Иван Крамской. Неизвестная. 1883

Эту картину часто называют «Джоконда» русской живописи. Что-то есть в ней такое, что притягивает к себе и не отпускает!

Вторая половина 19 века, Невский проспект, Петербург. Аничков дворец, а вдали виднеется Александринский театр. По дороге едет открытый экипаж, а в нем, одетая по последней моде, молодая женщина. Так, в нескольких предложениях, можно описать то, что изобразил на картине под названием «Неизвестная» художник Иван Крамской.

«Неизвестная» является одним из самых известных портретов Крамского! Картина привлекает внимание своей таинственной и загадочной атмосферой, которая окутывает героиню произведения. Этот портрет характеризуется тщательной проработкой деталей и реалистичностью изображения. Однако, помимо реализма, в нём также присутствует и символический смысл. «Неизвестная» часто рассматривается как аллегория чистоты, невинности и загадочности женской души. В женщине должна быть загадка, но столько загадок как в «Неизвестной», наверно, нет ни в одной другой женщине!

Но чей же это портрет? Написав свой знаменитый шедевр, Крамской оставил потомкам загадку, которую до сих пор никто не разгадал.

Зрители донимали Крамского одним и тем же вопросом: «А ваша «Незнакомка» существует на самом деле?». «Безусловно», — кивал художник и показывал на полотно.

Эта картина остаётся по сей день тайной за семью печатями. Ибо, сколько ни говорили о ней, сам Крамской ни в дневниках, ни в многочисленных письмах не обмолвился о ней ни словом, ни намеком.
Кто она, откуда явилась, куда едет, о чем думает, чего хочет? Все — тайна.

Домыслов и гипотез много.

Эта картина самым мистическим образом объединила судьбы двух императоров – Александра I и Александра II, двух поэтов – Пушкина и Блока, двух писателей – Толстого и Достоевского, а также дочерей самого Крамского и коллекционера Третьякова.

В Петербурге были уверены, что на картине изображена Екатерина Долгорукова, вторая жена Александра II, в замужестве – светлейшая княгиня Юрьевская. Именно она могла ожидать у Аничкова дворца своего возлюбленного, поэтому и находилась в коляске одна, без сопровождения, что было весьма неприлично по неписаным законам того времени.

В разговорах, помимо любовных похождений Александра II, стало «всплывать» и имя Александра I. Красавец-император, известный своими амурными подвигами, был влюблен в грузинскую княжну Варвару Туркестанову, которая похоже на Неизвестную Крамского.

Есть и несколько литературных версий прототипа. Ряд исследователей считали, что «Неизвестная» — это никто иной, как Анна Каренина. Произведение Толстого появилось как раз за несколько лет до картины. Осенью 1873 года Крамской гостил у графа Льва Толстого и писал его портрет. А тот как раз той осенью писал свою «Анну Каренину». И описание Анны полностью совпадает с обликом Неизвестной Крамского.

Другие были уверены, что на портрете изображена Настасья Филипповна из романа Достоевского «Идиот».

При этом большинство специалистов придерживались мнения, что картина произвела такое впечатление на Александра Блока, что стала прообразом его знаменитой «Незнакомки». В народном сознании картина и стихотворение настолько переплелись, что «Неизвестную» очень часто называли «Незнакомкой». То, что образ, созданный Иваном Крамским, вполне реален, многие до сих пор подтверждают строками из написанного в 1906 году Александром Блоком стихотворения «Незнакомка». Помните?

И каждый вечер, в час назначенный

(Иль это только снится мне?),
Девичий стан, шелками схваченный,
В туманном движется окне.
И медленно, пройдя меж пьяными,
Всегда без спутников, одна,
Дыша духами и туманами,
Она садится у окна…

«Неизвестная» на полотне Крамского так и остаётся для многих «Незнакомкой»!

Мне кажется, что главную разгадку надо искать в личных отношениях Третьякова и Крамского, хотя моё предположение тоже остаётся только гипотезой. Постараюсь его обосновать.

Коллекционера и художника связывали крепкая дружба и деловые отношения. Однако портрет «Неизвестной» Павел Третьяков не купил. Почему? Создавая картину, Крамской был уверен, что Третьяков ее купит, но коллекционер, впервые увидев картину, долго смотрел на нее, а затем резко, не сказав ни слова, покинул выставочный зал. Третьяков наотрез отказался покупать «Неизвестную», не объясняя причин, заметив лишь однажды, что этой картине никогда не бывать в стенах его галереи. Скорее всего, здесь кроется что-то личное. Возможно, в «Неизвестной» Третьяков узнал дочь Крамского Софью, а причиной послужило то, что дочь Третьякова Саша вышла замуж за молодого врача, Сергея Боткина, который раньше был женихом дочери Крамского, Софьи. А Софья и Саша были до этого лучшими подругами. Здесь всё переплелось, может поэтому Третьяков так отреагировал на картину Крамского.

Но, как и остальные домыслы и гипотезы – это только предположение.

Обиженный художник тут же решил продать «Неизвестную» другому частному коллекционеру. Портрет сначала путешествовал по городам России, потом его приобрел частный коллекционер Клюквист, а затем уже он попал в собрание коллекционера Харитоненко. И только в 1925 году, много лет спустя после смерти Третьякова, этот портрет оказался в Третьяковской галерее.

Зал Михаила Врубеля

«Принцесса Грёза». Картина русского художника Михаила Врубеля, созданная в 1896 году.

В архитектурный ансамбль Третьяковской галереи входит здание храма Святителя Николая в Толмачах. Мало кому известно, что до недавнего времени здесь находилось легендарное полотно Михаила Врубеля «Принцесса Греза» площадью 90 кв. м, высотой 14 м и весом почти в полтонны. Оно долго хранилось вертикально в свернутом виде под главным куполом храма, так как не помещалось в залах галереи. Позже панно было перенесено и сегодня экспонируется в зале Врубеля.

Мало кто знает, что именно Врубель внес значительный вклад в восстановление традиционного художественного промысла — в керамику.

Созданный Врубелем камин существует в пяти экземплярах в России, а также еще один находится в Лилле. Камины несколько отличаются друг от друга деталями и цветовыми решениями. Один из них, который я представил на фото, находится в собрании Третьяковской галереи. Он даже действующий!

М.Врубель, Морской царь, 1898

Произведение «Морской царь» относится к серии майолик, выполненных Врубелем в 1898 году по мотивам оперы Н.А. Римского-Корсакова «Садко».

М.А. Врубель представил образ Морского царя, одного из главных героев этой сказочной истории, в виде маски-горельефа.

Марк Матвеевич Антокольский. Царь Иван Грозный. 1876 г.

Первоначально скульптура «Иван Грозный» была выполнена в 1870 г в бронзе, и она находится в Русском музее. В 1871 году совет Академии художеств присудил студенту Марку Антокольскому за «Ивана Грозного» высшую награду — звание академика.

Неоднозначный образ, в котором сплелось воедино закрытость, сосредоточенность в себе, какая-то внутренняя борьба, властность, вера, соединение несоединимого — поминального синодика и трона, монашеского одеяния и неукротимости страстей в глазах…

По заказу Павла Третьякова работу выполнили в мраморе, и в 1876 году она была приобретена для Третьяковской галереи. 

«Устный счёт. В народной школе С. А. Рачинского». Картина русского художника Н. П. Богданова-Бельского, написанная в 1895 году.

На картине изображена деревенская школа конца XIX века во время урока арифметики при вычислении в уме написанной на доске дроби.

Учитель — реальный человек, Сергей Александрович Рачинский, ботаник и математик, профессор Московского университета.

Слагаемые, написанные на доске, обладают интересным свойством: 

То есть, результат вычисления равен 2.

Иван Крамской «Лунная ночь», картина написана в 1880 году.

На этом полотне очень точно передана красота и романтичность летней ночи. Что может быть прекрасней, чем теплая летняя ночь, сквозь сумрак которой, пробивается лучик полной луны. Главная героиня картины – женщина, одетая в сказочное белое платье. Женщина сидит на скамейке и по ее склоненной голове и задумчивому взгляду можно понять, что она о чем-то размышляет или мечтает.

Архип Куинджи. Березовая роща, 1879

Куинджи считается настоящим мастером по работе со светом. Картина вся написана зеленым цветом, и художник играет с контрастом солнечных пятен и глубины тени. Полотно было выставлено на выставке художников-передвижников, после которой ее сразу купил Третьяков.

«Эльбрус. Лунная ночь» — это этюд Архипа Куинджи на тему природы Кавказа.

Куинджи. «Украинская ночь». 1876 г

Есть известная шутка: «Тиха украинская ночь, но сало лучше перепрятать!», которая подходит к названию этой картины.

«Танец среди мечей» Генриха Семирадского

Картина «Танец среди мечей» была написана Семирадским в 1881 году во время его пребывания в Риме. Картина была написана по заказу Козьмы Солдатёнкова, известного предпринимателя и коллекционера, владельца художественной галереи.

На картине изображен вечный праздник на берегу Неаполитанского залива, наполненный негой и наслаждениями. Вода, изумительно лазурного цвета, вдали покрытые дымкой горы — пейзаж напоминает так любимую художником Италию. И пусть мир на картине выдуман художником, но он прекрасен, в нем нет ни тени вульгарности. Только красота.

Спящий в раковине амур.1853г. В.П. Бродский (1826-1904).

Иван Шишкин. Утро в сосновом лесу. 1889

На этой картине изображена живописная сцена рассвета в сосновом лесу. Вечнозеленый хвойный лес — излюбленный мотив художника Шишкина. Медвежат на картине изобразил другой художник, Константин Савицкий, но позже он снял свою подпись и отказался от авторских прав. «Утро в сосновом лесу» остается одним из самых узнаваемых и важных произведений русской живописи, и оно восхищает зрителей своей мастерской техникой и вдохновляющей природной красотой. Сюжет картины знаком каждому, ведь еще в СССР ее растиражировали на обертке конфет «Мишка косолапый».

Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии. 1872 год. Иван Шишкин.

В 1872 году Иван Иванович создает одну из своих самых лучших работ. Речь про картину «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии». За это произведение он получил премию от Императорского общества поощрения художников.

О Шишкине говорили: «Он реалист убежденный, реалист до мозга костей, глубоко чувствующий и горячо любящий природу… «Но при этом художник конструирует пейзаж, театрализует его, предлагая некий «природный спектакль»

«Утро стрелецкой казни». Картина русского художника Василия Сурикова, завершённая в 1881 году.

Тема произведения связана с историческими событиями конца XVII века — подавлением Петром I стрелецкого бунта 1698 года и казнью мятежных стрельцов.

Картину впервые представили на IX выставке передвижников в 1881 году в Санкт-Петербурге. Павел Третьяков увез ее в свою коллекцию прямо из экспозиции.

«Заросший пруд». Пейзаж русского художника Василия Поленова, написанный в 1879 году.

Исаак Левитан, «У омута», 1892

На полотне мы видим неширокую, темную реку, которая уже размыла плотину. Через реку перекинуты старые доски и скользкие бревна. На другом берегу зовет за собой светлая тропинка, но там же сгущается мрачный лес. Зловещая сумрачность, ощущение неуверенности — а стоит ли туда идти? Тусклое освещение и нависшая над «гиблым местом» тишина вызывают чувство дискомфорта.

Прямо с выставки полотно было приобретено у автора Павлом Третьяковым, 

Валентин Серов. Девочка с персиками, 1887

Одна из самых известных картин живописца была написана в Абрамцево, а позировала для нее дочь мецената Саввы Мамонтова.

Эту картину Серов написал, когда ему исполнилось всего лишь 22 года. Широкие видимые мазки, акцент на непосредственном моменте здесь и сейчас, вот девочка вбежала в комнату, от бега даже румянец остался на щеках, а тут художнику позировать требуется, она взяла персик и внимательно смотрит на пишущего её портрет Серова. Вот этот самый момент он и ухватил в картине — вполне импрессионистский приём.

С.Т. Коненков (1874-1971). «Юная», 1916. Мрамор.

Б.Кустодиев. «Красавица», 1915 г.

«Видно, диавол водил дерзкой рукой художника Кустодиева, когда он писал свою «Красавицу», ибо смутил он навек покой мой.
Узрел я её прелесть и ласковость и забыл посты и бдения.
Иду в монастырь, где и буду замаливать грехи свои».

Такой эффект сочная картина Бориса Кустодиева оказала на некоего неназванного митрополита, увидевшего её на выставке «Мир искусства» в 1915 году. Пышная обнажённая «Красавица» вообще вызвала бурные отклики в обществе — как положительные, так и нет, — и стала одной из самых известных картин русской живописи XX века.

Модель

«Распутница!» — воскликнул Константин Станиславский, узнав, что одна из его ведущих актрис позирует Кустодиеву для столь откровенной картины. Режиссёр даже хотел перестать работать с ней, но в итоге понял, что такими талантами, как у Фаины Шевченко, разбрасываться не стоит.

Фаина Васильевна Шевченко покоряла зрителей и критиков своей колоритностью, живописной русской красотой, мощной харизмой и богатым голосом. Кустодиев познакомился с ней во время работы над спектаклем «Смерть Пазухина»: Фаина играла в нём одну из ролей, а художник делал к постановке декорации. После премьеры, восхищённый талантом и красотой актрисы, Кустодиев попросил её позировать для его новой картины — исполненная Шевченко роль как раз натолкнула его на замысел «Красавицы». Шевченко, не спрашивая деталей, согласилась; лишь на первом сеансе позирования она узнала, что ей предстоит раздеться, и отреагировала бурно:

«Ну что вы! Я, актриса Художественного театра, буду голая сидеть?! А потом меня тысячи людей увидят, позор-то какой!»

С большим трудом художнику удалось уговорить её.

Сделав нужные наброски в Москве, дальнейшую работу над картиной художник продолжил в Петербурге, и Шевченко увидела итоговый вариант лишь на выставке «Мир искусства»:

«Очень толстая!» — воскликнула она, встретившись на выставке с Кустодиевым.

«Какая есть», — ответил художник и поцеловал своей натурщице руку.

Николай Рерих. Горные мотивы

С.Т. Конёнков. Из серии Скульптура ХХ века

Заключительными залами Третьяковской галереи являются залы иконописи. Я не считаю себя компетентным в этой области, чтобы анализировать и описывать иконы, поэтому приведу только несколько фотографий с комментариями из открытых доступов интернета.

Зал Андрея Рублёва (1360-1428)

Оплечный Деисус (икона Успенского собора Московского Кремля)

Икона датируется концом XII века или первой третью XIII века. Фигуры на иконе представлены в небольших поворотах, лики Богородицы и Иоанна Предтечи изображены крупнее лика Спаса. В Третьяковскую галерею икона поступила из Оружейной палаты в 1936 году.

Спас Нерукотворный. Прославление Креста

В Третьяковской галерее хранится самая ранняя из сохранившихся русских икон с изображением Спаса Нерукотворного. С XII столетия этот сюжет часто использовали в храмовых росписях. Исследователи считают, что икону написали примерно в 1191 году для церкви Святого Образа в Великом Новгороде. В середине XVI века ее привезли в Успенский собор Московского Кремля.

Автор Михаил Назаров

♦  Рубрика: Россия.
♥  Метки: Москва > Третьяковская галерея